Dez hipóteses sobre o estado da arte

1. O movimento pós-moderno de integração à cultura de massa é a antítese da atitude modernista de resistência à ideia da mercantilização da arte. O pós-modernismo assinala a rendição incondicional da arte e de toda a produção cultural às forças do mercado neoliberal globalizado, que subordina a cultura aos interesses corporativos. É evidente que ao longo de toda a História o artista teve que se relacionar de alguma maneira com o capital, mas hoje o fenômeno se diferencia pelo seu alcance e por suas implicações inéditas: acabaram as brechas, nada escapa da atuação do capitalismo corporativo e do Estado burocrático.

2. As grandes corporações se tornaram os principais patrocinadores da arte, formando coleções milionárias, concedendo fundos para mega-exposições nos museus etc. Tudo isso afeta não apenas a cotação dos artistas contemporâneos, mas também a sua própria produção, cada vez mais domesticada e alienante. As corporações compram barato e em quantidade, forçando em seguida a escalada da cotação de jovens artistas. É claro que tem gente de qualidade, mas muitos acabam funcionando como idiotas úteis.

3. O museu como instituição de guarda e conservação de patrimônio perdeu relevância. como se previu nos anos 80. Mas em seu lugar surgiram, às dezenas (às centenas em alguns países, como no Japão), museus fast-food e filiais caça-níqueis de grandes griffes, com a função de multiplicar as conexões da rede de produção e consumo num nível planetário - e estimular um novo e lucrativo entretenimento de massa, no qual se lançam novos produtos a cada temporada. Mas, como em outros mercados, geralmente o que muda é só a embalagem ou o nome de fantasia: no conteúdo pouca coisa de relevante aparece. Talvez seja por isso que, desde Daniel Buren, muitos artistas contemporâneos - mesmo aqueles cujos trabalhos, por vezes materialmente perecíveis, pedem um ambiente diferente - vivem atacando os museus como instituição ultrapassada a serviço de interesses ideológicos burgueses. Mas adoram estar neles, buscando a cumplicidade daquilo que criticam.

4. Os padrões estéticos do pós-moderno são transitórios, determinados por interesses mercadológicos - que vendem e consagram uma enorme quantidade de lixo. Enquanto os modernistas se engajavam na criação de novos códigos; os pós-modernos se contentam com a manipulação dos velhos códigos, que escolhem no catálogo da História. Já que o valor não está mais no objeto, mas na assinatura, e já que é esta que designa a obra de arte, qualquer pode reconhecer em si um artista, desde que o sistema o reconheça, transformando seu nome em griffe. Uma vez inserido no sistema, qualquer lixo poderá ser apresentado como arte - e o artista ainda poderá se divertir com a incompreensão da plebe ou, dependendo de seu temperamento, ficar indignado diante de quem for cego para o seu gênio.

5. Como o mundo editorial e o mundo fonográfico, o mundo da arte se aproximou do supermercado, onde é fundamental estar exposto para ser "vendido". E onde o preço alto é atrativo e garantia de qualidade, como nas lojas de roupa sofisticadas. Já repararam como essas lojas se parecem cada vez mais com galerias de arte?

6. A passagem do moderno ao pós-moderno coincidiu, em meados dos anos 60, com a integração crescente da cultura à lógica da produção de mercadorias em geral: a motivação da inovação aparente e da experimentação na arte passou a ser a disputa de espaço num mercado competitivo; tensões e conflitos antes limitados a outras esferas da sociedade invadiram a arena da produção artística. O capital investido na arte passou a produzir desejos, fabricar gostos cada vez mais aviltados e estimular sensibilidades para criar um novo paradigma, ligado ao consumo (material e simbólico) e à circulação em rede - e oposto ao projeto moderno e às formas tradicionais de alta cultura.

7. Paralelamente, a contracultura dos anos 60 e 70 criou um ambiente de novas demandas e desejos reprimidos, que a produção cultural pós-moderna se apressou a satisfazer e enquadrar, na forma de mercadorias, com a ajuda dos meios de comunicação de massa. As linguagens da publicidade se aproximaram e se apropriaram da linguagem artística; esta por sua vez, se afastou da expressão subjetiva para abraçar modelos impessoais de produção.

8. A arte pós-moderna rejeita as idéia de progresso e de continuidade linear, bem como qualquer autoridade no juízo estético, ao mesmo tempo em que pilha a História. Sem um consenso sobre os valores e crenças, o julgamento crítico perde a função. Sem um horizonte temporal no qual se inserir, a arte se atrela a uma lógica do espetáculo, e a produção artística perde a profundidade, se apoiando nas aparências e nos impactos mediáticos imediatos e instantâneos, numa série descontínua de reelaborações que não sobrevivem ao tempo. Como estrelas da cultura de massa, os artistas que conseguem se inserir no circuito internacional passam a se preocupar com estratégias de marketing que os mantenham em evidência.

9. No modernismo, o movimento de aproximação entre artista e sociedade se inseria num projeto de transformação social: os artistas acreditavam no papel emancipador da arte. Hoje essa aproximação obedece ao imperativo capitalista de ampliar o público consumidor e reforçar gostos e valores que sustentam o sistema, através de uma rede onipresente tão ramificada que às vezes é difícil dizer quem está influenciando quem. Os movimentos especulativos que sempre afetaram o mercado financeiro passaram a determinar mudanças espasmódicas na arte: a obra de arte, como o dinheiro, se torna puro valor de troca, em meio à reelaboração contínua de modelos do passado.

10. A consolidação da arte pós-moderna, a partir da Pop Art, coincidiu com a passagem da cultura de massas para a cultura das mídias. Esta aboliu definitivamente a reflexão crítica e a vontade libertadora do projeto moderno: a arte contemporânea abraça sem qualquer constrangimento a superficialidade inócua, irônica e cínica. A História e seus projetos de emancipação passaram a ser vistos como démodés: agora todas as idéias e movimentos do passado cabem dentro do presente, mas esvaziados de sentido, como artigos em prateleiras de supermercado. Coincidiu também, é claro, com o declínio declínio da hegemonia da arte européia e a ascensão americana.

11. Tudo isso acontece com o beneplácito das elites intelectuais, que demonstram uma receptividade acrítica sem precedentes ao que lhes é vendido como arte. Essa tolerância total acaba se confundindo com a indiferença, e a arte, em algum aspecto essencial, se torna irrelevante - ainda que, economicamente, esteja cada vez mais calçada.

Na ilustração, Corner, fotografia de Louise Lawler